Imagina | Francisco Del Carpio-Beltrán

Ubicación: 19 Elm Street

Soporte: Ilustración sobre vinilo

Enlace: @Lonewolf08

Declaración:

De niños, no había limitaciones, sólo sueños y tiempo. A veces nos perdíamos en nuestro propio mundo y alimentábamos nuestras mentes curiosas con posibilidades. Perdida, una niña se encuentra creando burbujas con diferentes formas de animales mientras se ve a sí misma y a su hermano pequeño persiguiéndolas para verlas mejor y aprender de ellas. "¡Hay tantos tipos y formas!". Sólo se necesita un segundo para teletransportarse a un lugar donde siempre somos jóvenes y lo imposible no existe.

Bio:

Francisco Del Carpio-Beltrán es un artista, diseñador gráfico e ilustrador que ha vivido y estudiado en New Haven durante dos décadas. Ha trabajado para Svigals + Partners en Ninth Square desde 2007; primero como becario y luego como colaborador a tiempo completo del equipo de integración artística y marketing de S+P. Francisco fue el artista principal del mural Ninth Square in Bloom en Center Street, y ha contribuido a instalaciones artísticas a gran escala y otros murales en múltiples proyectos locales, como ConnCAT, Lincoln-Bassett School y la sede de Biohaven Pharmaceuticals en Church Street.

MicroFiberOrganism | Sooo-z Mastropietro

Ubicación: 841 Chapel St

Técnica: Tejidos diversos

Enlace: https://www.mastropiece.com/

Declaración:

MicroFiberOrganism es una amalgama a gran escala de tubos de tela de colores cosidos en formas geométricas orgánicas. Las formas cuelgan del techo en masa para crear una cortina de múltiples capas de criaturas colgantes. El suelo alberga más tubos conectados a un "arrecife de coral" que crea un entorno pseudo submarino. Los tejidos reciclados, encontrados y adquiridos muestran los abundantes residuos de la industria textil y cómo están dañando nuestro planeta. El proyecto celebra la sostenibilidad y la innovación.

Bio:

Procedente de los tranquilos alrededores del valle del Hudson, Sooo-z canalizó una energía inusual de su dócil entorno. Fue aquí donde experimentó por primera vez con la moda y la confección de tejidos y donde acabó desarrollando su estética actual. Tras licenciarse en Diseño de Moda y Diseño Textil por el Fashion Institute of Technology de Nueva York, Sooo-z desarrolló su talento en territorios sin límites, como el diseño de vestuario para una banda de rock y para el teatro de la comunidad local. Con una carrera oficial que comenzó en el sector del diseño de interiores como directora artística de una galería de alfombras de arte personalizadas de gama alta, su mayor afirmación llegó cuando una colaboración especial incluyó un diseño en un segmento de "Antes y después" en Architectural Digest.

El nacimiento de "Mastropiece", que ahora sirve como título de trabajo, comenzó como un negocio de pintura sobre seda para crear y vender diseños de accesorios y prendas de vestir que infundían arte con fines utilitarios. Sus productos se vendían en ferias de artesanía de alto nivel en el Puck Building y el Armory. Temas ingeniosos, colores interesantes y una innovadora manipulación de los tejidos se convirtieron en su firma artística. El reciente desarrollo del título "Knitiot Savant", a la vez autodespectivo y distinguido, describe el ingenioso medio de tubo de tela que ha inventado y desarrollado como su propia y única forma de arte. Sus últimas obras se han expuesto en toda la región y en todo el país.

Sus contribuciones a la comunidad van desde las queridas esculturas públicas de fibra de vidrio en The Stamford Cow Parade de 2000, The Car Parade de 2001, Dinosaurs Rule de 2015, The Piano Project de 2021, hasta las casitas para pájaros de Project Return, pasando por el desarrollo artístico para el evento Art About Town a través de la WDMA, residencias artísticas en escuelas y ArtSmarts en las escuelas públicas de Westport. Su enfoque más reciente en el arte público ha sido el yarnbombing pandémico anónimo a partir de marzo de 2020, que ha producido más de 80 proyectos hasta el momento.... Ha sido jurado en varias exposiciones regionales de bellas artes y ha comisariado más de 60 exposiciones de arte temáticas para diversos espacios del condado de Fairfield, como la Maritime Garage Gallery y la Mayor's Gallery de Norwalk. A través de sus variadas experiencias como artista, músico y diseñadora, también ha podido retribuir ayudando a otros artistas a darse a conocer y creando nuevas oportunidades de contemplar el arte.

Second Life | Ellen Kebabian & Sonya Ursell

Ubicación: 196 Crown St

Soporte: lienzo y muebles reciclados

Enlace: @ellenkebabian

Declaración:

Second Life es una exposición sobre la renovación, concretamente a través de los muebles usados, que están ampliamente disponibles aunque a menudo infrautilizados e infravalorados. Sin embargo, estas piezas merecen una "segunda vida": lo que era viejo puede volver a ser nuevo; lo que era inútil puede volver a tener un propósito; y lo que era monótono puede volver a dar alegría. A través de varias exposiciones de muebles, los espectadores se inspirarán para aplicar su propia creatividad e individualidad a su entorno; incluso un mueble mundano puede verse como una oportunidad y un lienzo para la expresión personal. De este modo, cualquier objeto puede devolver el interés y la alegría a su propietario, desafiando los patrones de la cultura de usar y tirar que se han vuelto demasiado comunes y perjudiciales para nuestro medio ambiente.

Biografías:

Ellen Kebabian es diseñadora de interiores y vive en New Haven. Le apasiona servir a sus clientes en las diversas formas de diseño para crear entornos holísticos en los que uno pueda prosperar y crecer. Con una formación en diseño basado en pruebas y un gran interés por la psicología medioambiental y la sostenibilidad, Ellen explora constantemente la correlación entre el entorno construido, el mundo natural y el ser humano. Quiere comprender mejor las conexiones que el ser humano tiene con su entorno para mejorar el diseño de espacios que

servir tanto a la persona como al entorno natural.

Sonya Ursell es arquitecta y reside en New Haven. Sus intereses abarcan desde lo arquitectónico hasta el objeto cotidiano, concretamente cómo las propiedades de los materiales contribuyen a un desarrollo sostenible.

experiencia espacial significativa y personal. También está trabajando en un proyecto que explora la narración de historias a través de imágenes arquitectónicas, combinando su doble pasión por la arquitectura y la escritura.

Burgeoning | Katie Jurkiewicz

Localización: Calle Orange 137

Técnica: acrílico sobre lienzo sin tensar

Enlace: www.katiejurkiewicz.com

Declaración

Este cuadro a gran escala intenta rodear por completo al espectador con formas naturales más grandes que la vida, en tonos vivos y audaces. La obra examina las formas, los patrones y las interacciones entre una variedad de plantas, flores, maleza, hierbas y árboles. Las plantas crecen, se mezclan y se enredan a escala humana.

Bio

Katie Jurkiewicz es una pintora de New Britain, CT. Realizo obras a escala humana que envuelven al espectador en el mundo natural. Tengo un máster en Bellas Artes por el Massachusetts College of Art and Design y una licenciatura en Arte de Estudio por el Trinity College. Trabajo profesionalmente en el campo del arte y el diseño en la organización sin ánimo de lucro Artspace de New Haven, CT, y como diseñadora independiente.

Pas de Deux de "Step of Two" | Francisco Del Carpio-Beltran Localización: 63-65 Audubon St
Soporte: ilustración cortada sobre vinilo
Seguir: @lonewolf08

Declaración

Pas de Deux cuenta una historia a través de cinco ventanas. Dos personas se acercan la una a la otra desde lugares opuestos. Cuanto más se acercan al centro, más se unen sus talentos comunes en una sola danza. Las líneas fluidas muestran el movimiento de las figuras mientras bailan. Estas ilustraciones se basan en fotografías de bailarines que actúan en el vecino New Haven Ballet.

Bio

Francisco Del Carpio-Beltrán es un artista, diseñador gráfico e ilustrador que ha vivido y estudiado en New Haven durante dos décadas. Trabajó para Svigals + Partners en Ninth Square desde 2007, primero como becario y después como colaborador a tiempo completo del equipo de integración artística y marketing de S+P. Francisco ha pintado recientemente The Bloom of Ninth Square, un mural de 700 pies cuadrados encargado a través del programa Straight Up Art. Ha contribuido a instalaciones artísticas y murales a gran escala en otros proyectos locales, como ConnCAT, la escuela Lincoln-Bassett y la sede de Biohaven Pharmaceuticals en Church Street.

Longing To Remember | Jason Ting
Lugar: 212 Crown St
Medio: vídeo retroproyección (6:12, vídeo)
Seguir: @jzlabs https://www.instagram.com/jzlabs/

Declaración del artista

Longing To Remember se creó tras conocer la noticia de que un gran jurado de Kentucky no acusó a nadie por el asesinato de Breonna Taylor durante el asalto fallido a su apartamento.

La obra representa un lugar etéreo entre el cielo y la tierra. Una cortina de luz resplandeciente evoca la nostalgia y el recuerdo; esta luz se mantiene en tensión con sombras de dolor y pérdida. Es en este espacio liminal donde se invita al espectador tanto a recordar como a lamentarse.

Biografía del artista

Jason Ting es un artista de los nuevos medios afincado en New Haven, Connecticut. Utiliza diversas herramientas de codificación creativa para crear imágenes animadas abstractas que exploran la interacción entre forma, color y movimiento. Su obra se inspira en las fuerzas de la naturaleza, los patrones geométricos y la luz. Es licenciado por el programa Interdisciplinary Computing and the Arts de la Universidad de California en San Diego.

Red de proyectiles | Margaret Roleke
Ubicación: 96 Church St
Medio: proyectiles usados, alambre
Enlace: https://www.margaretroleke.com/

Declaración del artista

"Red de proyectiles" explora el tema de la violencia armada. A distancia, el espectador no está seguro de qué son exactamente las coloridas piezas de la obra. Sólo un examen más detenido permite darse cuenta de lo que son en realidad: proyectiles de armas gastados. Las armas son la segunda causa de muerte entre niños y adolescentes. La necesidad de no violencia y seguridad con las armas es urgente. Los niños y adolescentes negros tienen 15 veces más probabilidades que los blancos de morir por homicidio con arma de fuego (Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades. WISQARS Fatal Injury Reports, Leading Causes of Death, Estados Unidos - 2016). Un porcentaje de todas las ventas de arte de Margaret Roleke se dona a organizaciones que trabajan para prevenir la violencia armada.

Biografía del artista

Margaret Roleke es una escultora que también crea grabados y "arte postal". Ha vivido y trabajado

en Nueva York y Connecticut durante la mayor parte de su vida. Su obra se ha expuesto a menudo en una variedad

de lugares como Art Space New Haven, ODETTA Gallery, NYC, Pulse Art Fair, NYC y

Feria de arte Spring Break, NYC. Roleke ha sido reseñado en The New York Times, Hyperallergic, Artnet News, The Guardian y otras publicaciones.

Sinestesia cromática | Marta Machabeli
Lugar: 85 Orange St
Técnica: acrílico sobre lienzo
Enlace: www.martamachabeli.com

Declaración del artista:

"Cuando miras largamente al abismo, el abismo también mira dentro de ti" - Friedrich Nietzsche, Más allá del bien y del mal. Esta misma cita resume el concepto filosófico que me inspiró mi pieza "Sinestesia cromática".

La obra compuesta para este proyecto lleva el peso de un profundo proceso de autorreflexión por el que todos pasamos en algún momento de nuestras vidas. Mis obras se inspiran principalmente en conceptos filosóficos, místicos y espirituales. He dedicado mi vida a expresar palabras, pensamientos y sentimientos mediante el uso de colores vivos y vibrantes a través del género abstracto. Considero que el arte abstracto es el mejor medio para acceder a lo desconocido de la mente subconsciente/inconsciente y sacarlo de nuestro interior como forma de liberación, al tiempo que atrae secretamente al mundo exterior (un observador).

Biografía del artista:

Marta Machabeli es una artista afincada en New Haven, nacida en Tiflis, que ha estudiado pintura en la república de Georgia, en la "Academia Nacional Georgiana de Bellas Artes". Llegó a Estados Unidos en 2001, y es aquí donde su estilo ha tomado verdadera forma.

La diversa gama de pinturas y fotografías de Marta Machabeli -aunque con afinidades con artistas como Odlion Redon, entre muchos otros- se inspira, en primer lugar, en su visión única, que, según mi experiencia al verla desarrollarse en los últimos diez años, se manifiesta en todos los aspectos de su obra, desde las líneas que dibujan la mirada del espectador a través de un laberinto de colores y espacios; hasta los ojos que aparecen, una y otra vez, en sus retratos, mirando de frente sin pedir tanto al espectador que les devuelva la mirada, sino invitándole a entrar en el modo de vigilia directa y penetrante que reflejan. Amante de Rumi y del Mefistófeles de Goethe, pinta de un modo que se mueve mercurialmente entre los aspectos duales del misticismo, la iluminación y el cuestionamiento diabólico, y más allá. -Kristina Mendicino

Black Kid Joy | Isaac Bloodworth

Medio: Diseño gráfico, calcomanía de vinilo

Enlace: @way_ward_17

Declaración del artista:

Quería crear una pieza alegre en esta época que representara mis sentimientos sobre ser negro. Un niño negro surfeando olas de zumo en una tabla de surf de piruleta capta este espíritu de libertad y alegría. No sólo simboliza la liberación, sino también la comprensión de que todas nuestras acciones son pioneras para el futuro de la juventud.

Biografía del artista:

Isaac Bloodworth es titiritero, manipulador artístico y diseñador gráfico. Se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Connecticut en la especialidad de marionetas.

Forever Quilts | Marsha Borden

Medio: Bolsas de supermercado de un solo uso y bolsas de film del periódico New York Times

Enlace: www.marshaborden.com

Declaración de la artista:
La confección de colchas es una forma de arte que ha existido en todas las culturas desde la civilización antigua. Un edredón ayuda a su creador a definir y expresar tradiciones e historias. Los edredones, por su propia naturaleza, proporcionan información histórica importante y nos permiten ver -de forma visible y tangible- cómo interactúan las personas con su entorno y con el mundo que les rodea. Los edredones crean un legado, proporcionando a las generaciones futuras mensajes e información para el recuerdo, la contemplación y el significado.

Esta instalación utiliza más de 1.800 bolsas de supermercado de un solo uso y bolsas del periódico New York Times, una ínfima parte de las 1.000.000.000.000 (un billón) de bolsas de plástico que se calcula que se utilizan y desechan anualmente en todo el mundo. Las bolsas se han cortado, bordado y cosido a mano con técnicas tradicionales de acolchado. Cada colcha está rodeada de esculturales cascadas de lluvia; juntas, las colchas y la lluvia nos recuerdan el impacto medioambiental del exceso de plástico.

Al reflexionar sobre el plástico, comprendo que es una parte viva de nuestro mundo natural. El plástico está en nuestros cuerpos. Comemos, bebemos y respiramos gran parte del plástico que hemos desechado colectivamente. El plástico está en la naturaleza: obstruye nuestros océanos y estropea nuestras montañas y praderas. El plástico llueve literalmente sobre nosotros. Y sin embargo, para bien y para mal, estamos interconectados, somos interdependientes, estamos enredados, atrapados por el plástico. Dependemos del plástico y el plástico depende de nosotros, para vivir.

Como sugiere el activista medioambiental Dr. David Suzuki, no somos más que una breve generación en la larga marcha del tiempo. Nuestro legado es el plástico, y el plástico es para siempre.

Biografía de la artista:
Marsha Borden es una artista afincada en el condado de New Haven, Connecticut, que trabaja principalmente con técnicas textiles. A través de la puntada, aporta un toque contemporáneo y relevante a técnicas textiles anticuadas. Gran parte de la obra actual de Borden se centra en convertir objetos corrientes, como las bolsas de plástico de un solo uso, en comentarios sociales. Su obra ha participado en numerosas exposiciones nacionales y locales; una reciente muestra individual de su trabajo con plástico se celebró en la Galería Ives de la Biblioteca Pública Gratuita de New Haven (Connecticut). La nueva obra plástica de Borden se expone actualmente en la Perspectives Gallery de Hamden, Connecticut. Los críticos de su obra señalan que "Borden examina, con alegría y reflexividad a partes iguales, la extraña dinámica de la forma en que adquirimos y desechamos casualmente bolsas de plástico de un solo uso en nuestra vida cotidiana" y "(transforma) lo que de otro modo podríamos tirar en una meditación intencionada sobre los residuos".

Sin título | Caryn Azoff

Técnica: Lápiz de color, gouache, pintura acrílica sobre papel

Enlace: www.carynazoff.com

Declaración del artista:
Las pinturas/obras sobre papel comienzan con una estructura cuadriculada dibujada a mano. A partir de aquí, las formas y los colores informan intuitivamente la obra. Los medios incluyen lápiz de color, acuarela, gouache y pintura flashe/acrílica. Las formas geométricas simples abarcan cada página, trabajando en una estructura de 8 x 8" - cada pieza para formar una presentación cuadriculada en la pared. La inspiración del color y la forma procede del texto iluminado y de la influencia de la Bauhaus.

Biografía de la artista:
Caryn Azoff vive en New Haven, CT, y trabaja en su estudio de West River Arts 909 Whalley Avenue.

Tending Girl | Josephine Ankrah

Técnica: ilustración, vinilo

Enlace: https://josephineankrah.github.io/

Declaración del artista:

Mi relación con el arte comenzó en la escuela primaria. Si me hubieran preguntado a los 7 años cuál era mi clase favorita, habría respondido "arte", y si me hubieran preguntado quién era mi profesora favorita, habría respondido "la señora Hauer", mi profesora de arte. Una vez, en 4º curso, recibí una mala nota en un examen de matemáticas y me reprendieron y me dijeron que tendría que dejar de dibujar y centrarme más en las matemáticas. Recuerdo vívidamente ese día porque desde entonces perdí la pasión que tenía por hacer arte. Me alegra decir que han pasado muchos años y en mi edad adulta decidí empezar a crear de nuevo. Este proceso de recuperación comenzó con sencillos dibujos lineales con rotulador negro en fichas (¡algunos de los cuales están expuestos ahora en algunas marquesinas de autobús de la ciudad!) Estos dibujos a menudo me representan haciendo cosas que me encantan, como pasear en invierno o hacer hoola-hooping, así como cosas que son necesarias, como aceptar mi cuerpo o alzar la voz. Al compartir mi trabajo, espero que otras jóvenes y niñas se sientan inspiradas para ser libres y compartir sus voces con el mundo.

Biografía del artista:

Nací en Ghana, crecí en West Haven y vivo en New Haven desde 2018. Recibí una licenciatura en Desarrollo Humano y Estudios Familiares en la Universidad de Connecticut en 2016 y una Maestría en Salud Pública (MPH) de la Universidad Estatal del Sur de Connecticut en 2018. Después de obtener mi MPH, me mudé a New Haven y trabajé como Coordinadora de Investigación en DataHaven durante aproximadamente un año y medio. Estoy más agradecida por mi tiempo allí porque, a través de mi trabajo, pude aprender y enamorarme de New Haven y sus residentes mientras participaba en investigaciones basadas en la comunidad y escribía sobre equidad de género y salud. Quería tener un impacto más práctico en la calidad de vida de mi comunidad, por lo que actualmente estoy estudiando para convertirme en Asistente Médico (PA). Estoy en mi primer año de la Escuela de PA en la Universidad de Bridgeport y planeo trabajar en New Haven después de la graduación. En mi tiempo libre, además de dibujar, me encanta cuidar de las plantas de mi apartamento, bailar salsa y salir con mi familia y amigos.

Coro | Althea Rao
Medio: fieltro, papel, caña, luz
Enlace: https://altheamrao.myportfolio.com/

Declaración del artista:
Se calcula que el 45% de las personas adultas de EE.UU. con vagina viven con síntomas de incontinencia urinaria debido a acontecimientos sanitarios únicos asociados al aparato reproductor femenino.

The Windowed World, Chorus, forma parte de un proyecto artístico comunitario más amplio de Althea Rao que defiende y dignifica a los adultos que deben hacer frente a la incontinencia urinaria en su vida cotidiana.

Los elementos de instalación de Chorus se crearon por primera vez durante el CWOS de 2019 como representación visual de este proyecto comunitario de un año de duración. Utilizando pétalos de fieltro con forma de vulva y esculturas de luz, esta instalación pública de gran visibilidad expondrá "casualmente" una serie de temas muy estigmatizados y a menudo privados de manera educada, franca y lúdica, desafiará las normas malsanas tradicionalmente asociadas con nuestro cuerpo y su proceso natural de deterioro, y sentará nuevas bases para la normalidad.

En la primavera de 2021, 12 miembros de la comunidad cuyas vidas se han visto afectadas por la incontinencia se reunirán en Artspace New Haven. Dirigidos por la artista residente Althea Rao, formarán un Coro de la Vagina radical para dar voz a historias nunca antes escuchadas.

Mediante el uso guiado de un entrenador inteligente de Kegel aprobado por la FDA, Perifit, los intérpretes ejercitarán los músculos del suelo pélvico y ensayarán para un teatro musical en directo generado vaginalmente. La esclarecedora y sensacional armonía musical transformará un contexto de reconciliación, incitando tanto a los intérpretes como a los espectadores a considerar por qué y cómo existen las barreras al tratamiento, y a reflexionar sobre las estrategias para superarlas en el futuro.

Vagina Chorus ha recibido la subvención "Awesome Without Borders" (The Awesome Foundation x The Harnisch Foundation) y el patrocinio de la Arts Workforce Initiative (New Haven Art Council). Perifit, una solución de entrenamiento del suelo pélvico divertida y eficaz desarrollada con terapeutas del suelo pélvico, ha donado gratuitamente sus dispositivos a Vagina Chorus.

Biografía de la artista:
La artista interdisciplinar Mengxi "Althea" Rao crea modelos de compromiso social para facilitar conversaciones abiertas y lúdicas sobre temas tradicionalmente asociados a la vergüenza y la negatividad, como los privilegios heredados, las enfermedades mentales, el género y la sexualidad. Sus obras empoderan a las personas y las ayudan a reconciliarse con su cultura y su yo. "Los seres humanos existen en el reino físico, pero mi arte no". Los medios que Rao ha explorado incluyen, entre otros: cine y vídeo, mapping de proyección, computación física, improvisación de contacto, escultura de luz, activación de espacios públicos, rituales y canto coral.

Rao ha vivido y trabajado en China, Japón y Estados Unidos, y ha recibido formación en periodismo y cine. Recientemente ha sido una de las ocho Social Impact Fellow del Halcyon Arts Lab de Washington DC y su trabajo sobre la igualdad de género fue presentado durante el By the People Festival en 2019. Durante su estancia en la capital del país, ha puesto en marcha múltiples activaciones en espacios públicos en el Goethe Institut, la Corcoran Gallery, la Smithsonian Freer|Sackler Gallery, la Embajada de Francia y el Hirshhorn Museum.

Rao es actualmente artista residente en Artspace New Haven.

Conexión con extraños | Mackenzie Pikaart

Soporte: Botones Pin Back, Cadena, Imágenes encontradas, Dibujos, Revistas LIFE, Revistas National Geographic.

Instagram: mvpstudio.me

Declaración del artista:

Conexiones con extraños es una pieza compuesta por (originalmente) 15.000 botones (ahora tengo alrededor de 10.000). Todas las imágenes proceden de las revistas LIFE de los años 50-70 y de National Geographic de los años 70-principios de los 2000, junto con otras revistas de moda, de Filadelfia y de arte de la zona de Filadelfia. La imagen de cada botón sirve de detonante para que el espectador recuerde algo de su vida, un libro que leyó, un sueño que tuvo, una película o una experiencia musical. Cuando dos desconocidos se encuentran en el muro, los botones pueden servir para romper el hielo. Puede ayudar a las personas a conectar a través de una experiencia compartida e iniciar una conversación sobre algo en lo que no han pensado desde hace tiempo. Los recuerdos son muy importantes para mí, sobre todo porque no recuerdo la mayor parte de mi infancia o juventud. Por suerte tengo unos padres increíbles y una comunidad que me apoya, pero tuve una infancia interna muy dura, me enfadaba y me frustraba mucho. Los únicos recuerdos reales que tengo son de cuando hacía cosas que eran malas o cogía una rabieta. No tengo recuerdos de todas las cosas divertidas que viví de niña, ni de cómo los demás interactuaban conmigo de niña. Conexiones con extraños es una actividad divertida, interactiva, que inicia conversaciones y crea comunidad. Da espacio para recordar, perdonar y alegrarse de la vida.

Biografía del artista:

Mackenzie V Pikaart es una artista que vive y trabaja en Filadelfia, donde se licenció en Artesanía con especialidad en Cerámica. Es técnica de estudio y responsable de instalaciones en un estudio local de cerámica, y una consumada artista de instalaciones. La obra cerámica de Pikaart se centra en el hecho de que todo el mundo merece comer o beber en un recipiente hecho a mano. Su obra se exhibe con mayor frecuencia en cenas colectivas, clubes de cena y en su propia casa. Tanto sus cerámicas como sus instalaciones se han expuesto en muchas galerías y tiendas de Filadelfia, así como en el Aeropuerto Internacional de Filadelfia. Pikaart también ha expuesto muchas de sus instalaciones en la iglesia episcopal Trinity, en New Haven Green, y en el centro de New Haven, CT. Pikaart siempre vuelve a New Haven, no sólo por la MEJOR PIZZA DEL MUNDO, sino también porque aquí pasó su infancia. Pikaart creció en las afueras de New Haven, y pasó la mayor parte de su vida joven como un miembro activo de la Iglesia de la Trinidad. Ella y su familia pasarían un largo domingo en New Haven con la iglesia en la mañana, brunch con sus amigos y familias de la congregación, de vuelta a la iglesia para una reunión y grupo de jóvenes en la noche. Trinity fue y sigue siendo un lugar seguro para que Pikaart sea ella misma de todo corazón.

Flux | Escuela de Arte Paier

Medio: papel, ilustración

Enlace: https://www.paier.edu/

Estudiantes artistas:

Kassady Couillard

Alexis Tonelli

Astrid Rodríguez

Kimberly Hyatt

Alecia Massaro

Darlene Vásquez

Marcus Fort

Andrew Verderome

Jennifer Sandholm

Sherry McNeill

Cassandra Ibitz

Gianni Higham

Instructores:

Vladimir Shpitalnik es escenógrafo y diseñador de vestuario, pintor e ilustrador, y su obra se ha exhibido en Estados Unidos, Europa y Asia. Entre sus trabajos teatrales fuera de Broadway figuran escenografías para el American Place Theatre y el SoHo Rep. En el ámbito regional, ha diseñado escenografías y vestuarios para el Joffrey Ballet, el Eugene O'Neill Theatre Center, el Stage One Theatre, el New Harmony Theatre, el Seacoast Rep, el Voice and Vision Theatre, el Yale Cabaret y la Elm Shakespeare Company. A nivel internacional, ha trabajado en el Moscow Art Theatre Studio, el Kazan Theater for Youth, el Yermolova Theater y el Gorky Cinema Studio. Ha ilustrado libros infantiles para Random House/Knopf y Soundprints. Miembro fundador de Alliance TCC, consultora de construcción teatral, Shpitalnik ha colaborado en el desarrollo de numerosas salas de arte y ensayo, como el Oakdale Theatre, el Meadows Music Theater y los Madison Art Cinemas de Connecticut y, más recientemente, el SubCulture de Nueva York. Shpitalnik es profesor en el Paier College of Art y en la Southern Connecticut State University y es miembro de United Scenic Artists y de la Society of Illustrators. Posee un máster por la Yale School of Drama y la Moscow Art Theatre School. Shpitalnik ha recibido la beca para diseñadores del National Endowment for the Arts/Theatre Communications Group.

Molly Gambardella es una prometedora artista estadounidense que trabaja en 2D y 3D. Se licenció en ilustración en el Paier College of Art en 2017. Molly sigue recibiendo encargos y mostrando su trabajo a nivel internacional. El trabajo de Molly ha aparecido en 3x3 Magazine, Creative Quarterly Journal, Girl Talk Art Magazine, Business Insider Art, entre otros. Molly trabaja actualmente desde su estudio en West River Arts en New Haven, Connecticut.

En el centro | Molly Gambardella

Medio: múltiple

Página web: https://www.mollygambardella.com/

Declaración de los artistas:

Las tres iglesias que se muestran (de izquierda a derecha) son réplicas de Trinity, Center y United Church en el New Haven Green construidas íntegramente con cartón. Debajo de las iglesias se ve parte del diseño (vista aérea) del New Haven Green. Alrededor de las estructuras de cartón hay líquenes, un organismo formado por la relación simbiótica entre algas y hongos. El hongo da cobijo al alga y el alga proporciona alimento al hongo. Los líquenes no tienen raíces, sino que reciben todos sus nutrientes de la atmósfera. Como los líquenes absorben los nutrientes de su entorno, no pueden vivir en ambientes tóxicos. Si echas un vistazo a los alrededores de New Haven Green, encontrarás líquenes en las rocas, los árboles y el suelo: ¡New Haven es un lugar maravilloso!

Biografía de los artistas:

Molly Gambardella es una prometedora artista estadounidense que trabaja en 2D y 3D. Se licenció en ilustración en el Paier College of Art en 2017. Molly sigue recibiendo encargos y mostrando su trabajo a nivel internacional. El trabajo de Molly ha aparecido en 3x3 Magazine, Creative Quarterly Journal, Girl Talk Art Magazine, Business Insider Art, entre otros. Molly trabaja actualmente desde su estudio en West River Arts en New Haven, Connecticut.

Arte postal | Molly Gambardella

Medio: múltiple

Página web: https://www.mollygambardella.com/

Declaración del artista:

A través de las redes sociales, se hizo una convocatoria mundial de obras de arte por correo, y el resultado fue un éxito abrumador. Más de 200 obras llegaron a New Haven desde más de ocho países participantes. Cada obra se fotografió individualmente, se editó, se envió por correo, se inventarió y, si quedaba alguna pista en el sobre, se contactó con el artista para pedirle la información que deseaba que se publicara con su obra. Así se creó rápidamente una comunidad de artistas de todo el mundo, que compartieron ideas, pensamientos, procesos e historias individuales. De las más de 200 obras presentadas, sólo 81 se muestran en este escaparate. Si desea ver fotos de la exposición anterior o está interesado en una publicación que incluya todas las obras presentadas, visite https://www.mollygambardella.com/mailart. Gracias a todas las personas que han hecho posible esta exposición, especialmente a todos los que la han enviado.

Biografía del artista:

Molly Gambardella es una prometedora artista estadounidense que trabaja en 2D y 3D. Se licenció en ilustración en el Paier College of Art en 2017. Molly sigue recibiendo encargos y mostrando su trabajo a nivel internacional. El trabajo de Molly ha aparecido en 3x3 Magazine, Creative Quarterly Journal, Girl Talk Art Magazine, Business Insider Art, entre otros. Molly trabaja actualmente desde su estudio en West River Arts en New Haven, Connecticut.

Pluralidad de voces | Maria Morabito

Material Fieltro industrial

Enlace: www.morabitoart.com

Declaración del artista:

La abstracción es mi forma de ver y entender el mundo. En mis esculturas y pinturas exploro recuerdos y asociaciones mentales inspiradas en formas naturales y paisajes culturales. Mis obras reflejan mi interés por las interconexiones entre el ser humano y el entorno biológico, y por las creaciones y alteraciones humanas del paisaje. Mis esculturas responden a mi interés por el potencial expresivo de los materiales, el juego de volúmenes y formas, y el libre ensamblaje de elementos para crear nuevas formas. A partir de una idea, utilizo materiales tan variados como fieltro industrial, metal, madera, papel maché y arcilla polimérica. La forma final es el resultado de un diálogo continuo con la pieza, dándole la oportunidad de convertirse en algo con su propia individualidad. La serie titulada Nueva Idea surgió del interés por investigar el potencial de las formas para crear diversos volúmenes y combinaciones de formas. Las esculturas se cortaron a mano para formar figuras orgánicas que pueden colgarse en diversas conformaciones. Veo la fluidez de sus formas como una metáfora de las posibilidades implícitas en el cambio: fluidez de género e identidad, diversidad y pluralidad, capacidad de reinventar la humanidad.

Biografía del artista:

Maria Morabito nació en Italia y creció en Roma, donde desarrolló su amor por la abstracción en pintura y escultura, y por las formas orgánicas, los sistemas biológicos, la naturaleza, la arquitectura y la historia. Vivió en New Haven y ha formado parte de su comunidad artística durante muchos años, volviendo anualmente para los City Wide Open Studios en Erector Square. Ahora Maria vive y trabaja en Manhattan, Nueva York.

Trabaja con distintos materiales y técnicas, sobre todo en escultura, pintura al óleo y técnicas mixtas. Estudió en la Universidad de Cincinnati (OH), en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston (MA) y en el Taller de Arte Creativo de New Haven.

Maria recibió una mención honorífica de Robert Storr, Decano de la Escuela de Arte de Yale. Ha expuesto en Nueva York y en todo el país y está representada en varias colecciones públicas de Estados Unidos y en colecciones privadas de Estados Unidos y Europa.

Ciclo de luz | Audrey Knight

Medio: geles coloreados

Declaración de los artistas:

Estas juguetonas piezas en forma de caleidoscopio son una oda a mi inocente perspectiva de la religión y la espiritualidad cuando era niño y crecí con dos sacerdotes como padres, viviendo en un apartamento encima de la iglesia que regentaban y formando parte de esta organización de misticismo cristiano llamada "El Centro de la Luz". Diseñé su naturaleza física para que poseyeran un hechizo de carácter infantil con sus coloridos y caprichosos patrones florales de mandala hechos a mano con formas elementales. Las cinco ruedas están hechas de cartón pluma, cola caliente y geles de colores. Cuelgan de un hilo de pescar y pueden girar sobre sus ejes centrales. Los molinetes invitan a la naturaleza de la luz a obrar su magia a través de la proyección sobre la pared en blanco que hay tras ellos, tanto de la iluminación nocturna de las luces de almeja como de la inundación natural de luz solar durante las horas diurnas. Cuelgan como una impresión de vidriera, en homenaje al asombro de mi infancia, impoluto por el tiempo o el cambio.

Biografía de los artistas:

Audrey Knight creó su obra "Light Cycle" en su clase de escultura con instalación de luz en el ECA (The Education Center for the Arts) de la que se ha graduado recientemente después de asistir durante cuatro años. Audrey tiene dieciocho años y ha vivido en New Haven la mayor parte de su vida. A lo largo de su carrera en el ECA ha tenido la oportunidad de aprender de artistas mentores expertos en su campo. Ha trabajado en siete medios diferentes: dibujo, pintura, escultura, fotografía digital, fotografía de cuarto oscuro, vídeo y grabado. En su graduación, recibió el premio "Apetito por la producción", que refleja sus ambiciosos proyectos y su amor por crear a lo grande. Se inspira en la naturaleza, en su identidad personal y en elevar lo mundano.

Hustle | Faustin Adeniran

Medio: Detrito americano

Enlace: www.adeniranartstudio.com

Declaración del artista:

Hustle es una pieza escultórica de tamaño natural realizada con latas de aluminio. Esta pieza trata de un encuentro que tuve con una señora africana buscadora de latas en Nueva York llamada Aminata. Había emigrado de Sudán con su hijo. Sin la documentación adecuada, luchó por encontrar trabajo y empezó a recoger latas en las calles de Nueva York, como hacían muchos inmigrantes cuando llegaban por primera vez a este país. Como muchos inmigrantes, pensaba que Estados Unidos era la tierra de las oportunidades. Cuando reflexiono sobre mi propia lucha y sacrificio para conseguir una vida mejor aquí, el Sueño Americano no siempre es tan glamuroso como parece. Hustle representa el trabajo duro y la dedicación para triunfar pase lo que pase y sensibiliza sobre la necesidad de valorar a todos los miembros de nuestra comunidad, incluso a los que a menudo son marginados y pasados por alto.

Creo que mi instalación artística es un proyecto importante y urgente para New Haven que arrojará más luz y provocará un diálogo reflexivo.

Biografía del artista:

Faustin Adeniran es un artista visual contemporáneo originario de Nigeria. Lleva cinco años en New Haven, Connecticut, trabajando en su estudio de Erector Square y ha desarrollado una obra de arte que aborda la identidad cultural, la migración, la justicia social y la preservación del medio ambiente en nuestras comunidades. Faustin emplea latas de aluminio y otros materiales encontrados para crear obras tridimensionales que desafían cualquier categorización. En parte mosaico, en parte ensamblaje, presentan campos de colores deslumbrantes creados a partir de una serie de latas cortadas en tiras y rombos. El detritus americano es su medio, y las marcas americanas son sinónimo de estatus. En sus obras, hay indicios de logotipos familiares -Arizona Iced Tea, Coca-Cola y Lacroix seltzer-, pero también de bebidas de las que nunca hemos oído hablar, procedentes de coleccionistas locales de latas de New Haven.

Un trocito de cielo | Amira Brown

Técnica: papel recortado pintado y tejidos de papel

Enlace: amirahb.com

Declaración del artista:

El objetivo de mi arte es conectar y compartir la experiencia de las bellas artes de una forma accesible. Utilizo fanzines, cómics y prácticas artísticas contemporáneas para ampliar la interpretación del cómic y el arte. Intento acercar a mis espectadores mundos extraños, emocionantes y complejos con diferentes interpretaciones.

Biografía del artista:

A lo largo de la vida de Amira, la lectura y el arte han sido los pilares de mi vida y les han impactado de forma positiva. A través de estas disciplinas fue capaz de conectar y crecer como persona. Tras darse cuenta de su impacto, Amira fue al Paier College of Art y se graduó en Ilustración. Pero después de ir y venir entre la escritura, el arte y los cómics durante 3 años, los combinaron en una práctica interdisciplinaria. Han expuesto por CT y New Haven.

Tapiz de fideos de piscina | Dan Bernier & Dan Gries

Materiales: Fideos de piscina, hilo

Biografías de artistas:

Dan Bernier es desarrollador de software y artista generativo. Su trabajo explora los límites del lenguaje de programación para describir la complejidad de los datos y los procesos. Dan Gries es profesor de matemáticas e informática y artista generativo. Su trabajo se centra en las imágenes generadas algorítmicamente y la imperfección codificada. Su formación matemática influye en su trabajo y se refleja en él. Bernier y Gries viven en New Haven, CT, y han colaborado en instalaciones de arte público en la ciudad, utilizando piezas de fideos de piscina para construir imágenes diseñadas mediante técnicas computacionales.

Oracle | John T. Fallon III

Técnica: acrílico, tintas

Página web: johnfallonart.com

Declaración del artista: He pintado continuamente durante los últimos 45 años en una amplia variedad de estilos y medios. Mi enfoque principal ha sido el trabajo abstracto de naturaleza constructiva, explorando el color, las simetrías y la ilusión espacial. En la actualidad utilizo una amplia gama de patrones en obras de varios paneles, algunos planos y otros inclinados, y también exploro paletas monótonas y estructuras pictóricas más aleatorias. No estoy muy seguro de lo que debería ser una declaración de artista. ¿Debemos describir lo que hacemos para que otros quieran verlo? ¿Debemos describir vagamente lo que pensamos o sentimos sobre nuestra obra? Cuando trabajo, el medio es el mensaje, la forma es sólo el contenedor del proceso. La obra individual, aunque parece preciosa, es menos importante que la nueva obra, que es el objetivo actual.

El ECA hace arte en el mercado nocturno

Técnica: óleo en barra, vinilo

Artistas: Yadavi Patil, Ruby Hernández-González, Milton Coburn, Fetty Brockenberry, Amber Ventura

Las 5 obras fueron creadas por estudiantes del Educational Center for the Arts durante el New Haven Night Market de mayo de 2019.

Sistemas caducados VI | Johanna Bresnick

Medio: múltiple

Página web: http://artistwebsitepro.com/Artist/Johanna_Bresnick/index.cfm

Declaración del artista:

De adolescente, trabajé en este mismo edificio de Church Street cuando aún era un centro comercial. Después de que Buffalo Wild Wings se fuera, pasaba todos los días por delante de la fachada de camino a dar clase en Gateway y sacaba fotos del exterior lleno de cicatrices que había dejado el antiguo rótulo y logotipo del bar. Mi instalación rellena los agujeros irregulares con pequeñas esculturas de espuma y escayola de otros hitos arquitectónicos de New Haven que se han quedado en el camino. En el espacio negativo se pueden ver réplicas del Coliseo de New Haven, la English Station, el antiguo complejo de viviendas públicas Masonic Gardens y el hormigón abujardado típico de edificios brutalistas como los cuarteles de policía y bomberos de la ciudad. Habla del tipo de entropía económica que se produce cuando se desalojan y derriban edificios.

Biografía del artista:

Johanna Bresnick obtuvo en 2001 un máster en Bellas Artes por la Universidad de Illinois en Chicago y una licenciatura por el Macalester College. Actualmente dirige el Departamento de Artes Visuales del Educational Center of the Arts. Antes de trabajar en el ECA, fundó y dirigió el espacio alternativo Grand Projects, que presentó una serie de exposiciones individuales experimentales. En 2015 presidió el Comité de Artes Visuales de Artspace (en New Haven, CT) y coordinó sus City Wide Open Studios entre 2002 y 2005. La obra de Bresnick investiga la imposición de la geometría sobre la naturaleza; la ingeniería de entornos y condiciones por medio de la arquitectura, la economía, el tiempo, la geopolítica, el comportamiento social, la estructura familiar o el código personal. Los materiales son muy variados. Su obra se ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (Illinois), la Galerie für Landschaftkunst de Alemania, el Wadsworth Athaneum de Hartford, el Museo Rose del Brandeis College de Waltham (Massachusetts), el Museo Judío de Nueva York y el Museo de Arte Moderno.

Sin título | Brittany Solem

Soporte: materiales reciclados

Enlace: www.brittanysolem.com

Biografía del artista:

Brittany Solem es una fotógrafa, estilista y escenógrafa afincada en New Haven, cuyo trabajo ha aparecido en Vogue, PHOSPHENES y otras revistas de moda y diseño. Con palillos de dientes, filtros de café, vasos de plástico, utensilios y otros productos desechables de uso cotidiano, Brittany construyó una sirena que emerge del arrecife de coral. Su escaparate llama la atención sobre el trágico impacto de los plásticos en nuestros océanos y ofrece una advertencia visual contra los descuidados hábitos de consumo de la humanidad.

Paper Over III | Jacquelyn Gleisner & Ryan Paxton

Soporte: Papel, pintura

Enlace: www.jacquelyngleisner.com/

Declaración de los artistas:

La expresión "empapelar" significa parchear o dar lustre a algo, sobre todo para aparentar unidad. Esta tercera iteración de la instalación se compone de pinturas y dibujos sobre papel reciclados. En este contexto, las pinturas renacen como instalación. Los materiales se reutilizan, mientras que el color y el espacio se aplanan y realzan simultáneamente.

Durante el Renacimiento, el color se describió a veces como la hermana rebelde del dibujo, que históricamente se percibía como una tarea menos arbitraria y más musculosa que la pintura. Charles LeBlanc, crítico de arte y teórico francés del siglo XIX, se hizo eco de esta opinión y clasificó categóricamente el color por debajo del dibujo. También se han aplicado divisiones paralelas a la pintura y la escultura, así como a la artesanía y las bellas artes. Esta instalación desdibuja los límites entre pintura y escultura, dibujo y color, así como entre bellas artes y artesanía, como forma de resistirse a estas clasificaciones jerárquicas.

Biografías de los artistas:

Jacquelyn Gleisner es artista, escritora y educadora. Posee un máster en Bellas Artes por la Cranbrook Academy of Art y una licenciatura con honores por la Universidad de Boston. Su obra se ha expuesto en todo Estados Unidos, así como en Italia, Finlandia y Botsuana. Jacquelyn fue galardonada con una beca Fulbright a Finlandia en 2010, y también participó en un intercambio de artistas en Botsuana a través del Programa de Arte en Embajadas en octubre de 2015.

Además de trabajar en su estudio, Jacquelyn escribe sobre arte contemporáneo. Ha sido colaboradora habitual de la revista en línea de Art21 desde 2011, y ha lanzado dos nuevas columnas para el sitio, "Praxis Makes Perfect" y "New Kids on the Block". Jacquelyn fue la editora invitada del número Sincerity, volumen 11, julio/agosto de 2015. También ha colaborado con Hyperallergic, la revista Art New England, el blog Two Coats of Paint, entre otros. En octubre de 2018, Jacquelyn lanzó Connecticut Art Review, una plataforma de escritura para las artes en y alrededor del estado. Actualmente trabaja como Practitioner in Residence en la Universidad de New Haven. (Vea aquí el CV de la artista).

Ryan Paxton es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Oregón, Eugene. Como artista, Ryan ha expuesto su obra en la Cue Foundation de Nueva York, la Fireproof Gallery de Brooklyn y la Washington Art Association de Connecticut. En 2017, Ryan fundó LensCloud, un negocio de escaneo 3D con sede en Brooklyn, Nueva York. Es experto en medios digitales / nuevos, carpintería, metalurgia y cerámica. Ryan trabaja actualmente como jefe de taller de producción en el Eli Whitney Workshop de Hamden, donde diseña y crea juguetes y proyectos educativos para niños y dirige talleres para adultos sobre diseño y fabricación CNC.

Linternas cortadas con láser | Jacquelyn Gleisner & Ryan Paxton

Soporte: Madera, mylar

Enlace: www.jacquelyngleisner.com/

Declaración de los artistas:

Las lámparas expuestas fueron creadas por participantes en un programa de Ives al Cuadrado que celebramos a principios de mayo. Los participantes diseñaron patrones utilizando una plantilla que Ryan y yo creamos para las lámparas. Después cortamos y montamos todas las lámparas para incluirlas en este escaparate.

Biografías de los artistas:

Jacquelyn Gleisner es artista, escritora y educadora. Posee un máster en Bellas Artes por la Cranbrook Academy of Art y una licenciatura con honores por la Universidad de Boston. Su obra se ha expuesto en todo Estados Unidos, así como en Italia, Finlandia y Botsuana. Jacquelyn fue galardonada con una beca Fulbright a Finlandia en 2010, y también participó en un intercambio de artistas en Botsuana a través del Programa de Arte en Embajadas en octubre de 2015.

Además de trabajar en su estudio, Jacquelyn escribe sobre arte contemporáneo. Ha sido colaboradora habitual de la revista en línea de Art21 desde 2011, y ha lanzado dos nuevas columnas para el sitio, "Praxis Makes Perfect" y "New Kids on the Block". Jacquelyn fue la editora invitada del número Sincerity, volumen 11, julio/agosto de 2015. También ha colaborado con Hyperallergic, la revista Art New England, el blog Two Coats of Paint, entre otros. En octubre de 2018, Jacquelyn lanzó Connecticut Art Review, una plataforma de escritura para las artes en y alrededor del estado. Actualmente trabaja como Practitioner in Residence en la Universidad de New Haven. (Vea aquí el CV de la artista).

Ryan Paxton es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Oregón, Eugene. Como artista, Ryan ha expuesto su obra en la Cue Foundation de Nueva York, la Fireproof Gallery de Brooklyn y la Washington Art Association de Connecticut. En 2017, Ryan fundó LensCloud, un negocio de escaneo 3D con sede en Brooklyn, Nueva York. Es experto en medios digitales / nuevos, carpintería, metalurgia y cerámica. Ryan trabaja actualmente como jefe de taller de producción en el Eli Whitney Workshop de Hamden, donde diseña y crea juguetes y proyectos educativos para niños y dirige talleres para adultos sobre diseño y fabricación CNC.

Gen 2 | Joshua Gonzalez

Medio: múltiple

Página web: @Joshart4e4

Declaración del artista:

Gen 2 es una extensión escultórica de las piezas de diseño textil y de moda de Josh, a las que él llama Gen 1. Abreviatura de Generation (Generación), Gen 2 reúne una variedad de tejidos y los ordena en una sola escena, del mismo modo que muchas capas generan New Haven. Con buena o mala apariencia, nuestra ciudad es una obra de arte para todos. Aparentemente, la felicidad viene en todas las formas y tamaños.

Biografía del artista:

Joshua González es un estudiante del Education Center for the Arts al que le encanta crear y compartir su pasión por las artes. En el futuro, espera trabajar como diseñador de moda o como profesor de arte para poder ayudar a otros a hacer realidad sus sueños.

Medio: cinta, ligero

Enlace: https://www.studioinewhaven.com/

Declaración del artista:
En una época de alta tecnología que nos conecta más rápido que nunca, la capacidad de profundizar en las relaciones es lo más difícil. Invirtiendo en el valor neto en lugar de en momentos que construyan relaciones que merezcan la pena, estamos enfermos de soledad. Es una epidemia. Este artículo refleja la antigua rima que nos recuerda dónde reside realmente nuestra riqueza. "Haz nuevos amigos, pero conserva los viejos. Uno es plata y el otro es oro".

Biografía de la artista:
Sus comienzos artísticos fueron a través del movimiento y la danza. Christina amplió su voz en el arte mientras estudiaba en la Southern Connecticut State University, donde se especializó en Bellas Artes y Psicología. Tras descubrir su pasión por el dibujo y la pintura, sigue dando vida a su imaginación a través de retratos, dibujos animados, ilustraciones y experiencias inmersivas. Cofundadora y comisaria de Studio i, actualmente investiga las conexiones y los paisajes de la naturaleza explorando la selva tropical de El Yunque en Puerto Rico, los terrenos glaciares y volcánicos de Islandia y más de 300 millas del sendero de los Apalaches para sus obras escritas y de inmersión. Además de cultivar espacios dinámicos a través de su arte y su asesoramiento, sigue enseñando bailes de salón a particulares, parejas y amigos que desean celebrar un acontecimiento especial o aprender un baile favorito. Ya sea sobre el lienzo, en la pista de baile o colaborando con empresarios, a Christina le encanta encontrar y compartir la belleza de la conexión.