Imagine | Francisco Del Carpio-Beltran

Localização: 19 Elm Street

Suporte: Ilustração sobre vinil

Ligação: @Lonewolf08

Declaração:

Quando éramos crianças, não havia limitações, apenas sonhos e tempo. Por vezes, perdíamo-nos no nosso próprio mundo e alimentávamos as nossas mentes curiosas com possibilidades. Perdida, uma criança é encontrada a criar bolhas com diferentes formas de animais enquanto se vê a si própria e ao seu irmão mais novo a correr atrás delas para ver melhor e aprender com elas. "Há tantos tipos e formas!" Basta um segundo para nos teletransportarmos para um lugar onde somos sempre jovens e onde o impossível não existe.

Biografia:

Francisco Del Carpio-Beltran é um artista, designer gráfico e ilustrador que viveu e frequentou a escola em New Haven durante duas décadas. Trabalhou para a Svigals + Partners em Ninth Square a partir de 2007, primeiro como estagiário e depois como colaborador a tempo inteiro da equipa de Integração de Arte e Marketing da S+P. Francisco foi o artista principal do mural Ninth Square in Bloom na Center Street e contribuiu para instalações de arte de grande escala e outros murais em vários projectos locais, incluindo ConnCAT, Lincoln-Bassett School e a sede da Biohaven Pharmaceuticals na Church Street.

MicroFiberOrganism | Sooo-z Mastropietro

Localização: 841 Chapel St

Suporte: vários têxteis

Ligação: https://www.mastropiece.com/

Declaração:

MicroFiberOrganism é uma amálgama em grande escala de tubos de tecido colorido cosidos em formas geométricas orgânicas. As formas pendem em massa do teto para criar uma cortina de várias camadas de criaturas pendentes. O chão acolhe mais tubos ligados a um "recife de coral" que cria um pseudo-ambiente subaquático. Os tecidos reciclados, encontrados e adquiridos demonstram os abundantes resíduos da indústria têxtil e a forma como esta está a prejudicar o nosso planeta. O projeto celebra a sustentabilidade e a inovação.

Biografia:

Oriunda dos arredores tranquilos do Hudson Valley, Sooo-z canalizou uma energia invulgar do seu ambiente dócil. Foi aqui que começou a experimentar a moda e a construção de tecidos, acabando por criar a sua estética atual. Formada pelo Fashion Institute of Technology em Nova Iorque com um BFA em Design de Moda e Design Têxtil, Sooo-z aproveitou os seus talentos para territórios sem restrições, incluindo a conceção de fatos para uma banda de rock e para o teatro comunitário local. Com uma carreira oficial que começou no sector do design de interiores como Diretora de Arte para uma galeria de tapetes de arte personalizados de alta qualidade, a sua maior afirmação veio quando uma colaboração especial apresentou um layout num segmento "Antes e Depois" na Architectural Digest.

O nascimento de "Mastropiece", que agora serve como título de trabalho, começou como um negócio de pintura em seda para criar e vender acessórios e designs de vestuário que infundiam arte com objectivos utilitários. Os seus produtos eram vendidos em feiras de artesanato de alta qualidade no Puck Building e no Armory. Temas inteligentes, cores interessantes e manipulação inovadora de tecidos tornaram-se a sua assinatura artística. O recente desenvolvimento do título "Knitiot Savant", simultaneamente auto-depreciativo e distinto, descreve o espirituoso meio de tubo de tecido que inventou e desenvolveu como a sua própria forma de arte única. Os seus últimos trabalhos foram expostos a nível regional e em todo o país.

As suas contribuições para a comunidade vão desde as adoradas esculturas públicas em fibra de vidro na Stamford Cow Parade de 2000, The Car Parade de 2001, Dinosaurs Rule de 2015, The Piano Project 2021, até às casas de pássaros do Project Return, passando pelo desenvolvimento artístico do evento Art About Town através da WDMA, residências artísticas em escolas e ArtSmarts nas escolas públicas de Westport. O seu foco mais recente na arte pública tem sido o yarnbombing pandémico anónimo, com início em março de 2020, que produziu mais de 80 projectos até agora. Julgou várias exposições regionais de belas artes e foi curadora de mais de 60 exposições temáticas de arte em vários espaços de Fairfield County, incluindo a Maritime Garage Gallery e a Mayor's Gallery of Norwalk. Através das suas experiências variadas como artista, músico e designer, também tem sido capaz de retribuir ajudando outros artistas a ganhar exposição e criando novas oportunidades de visualização de arte.

Second Life | Ellen Kebabian & Sonya Ursell

Localização: 196 Crown St

Suporte: tela e móveis reciclados

Ligação: @ellenkebabian

Declaração:

Second Life é uma exposição sobre renovação, especificamente através da lente do mobiliário usado, que está amplamente disponível, embora muitas vezes subutilizado e subvalorizado. No entanto, estas peças merecem uma "segunda vida": o que era velho pode voltar a ser novo; o que era inútil pode voltar a ter um objetivo; e o que era monótono pode voltar a dar alegria. Através de várias exposições de mobiliário, os espectadores serão inspirados a aplicar a sua própria criatividade e individualidade ao que os rodeia; mesmo uma peça de mobiliário banal pode ser vista como uma oportunidade e uma tela para a expressão pessoal. Qualquer objeto pode, assim, trazer um interesse e uma alegria renovados ao seu proprietário, desafiando os padrões da cultura do descartável que se tornaram demasiado comuns e prejudiciais ao nosso ambiente.

Biografias:

Ellen Kebabian é uma designer de interiores sediada em New Haven. É apaixonada por servir os seus clientes nas várias formas de design, de modo a criar ambientes holísticos onde se possa prosperar e crescer. Com formação em design baseado em evidências, juntamente com fortes interesses em psicologia ambiental e sustentabilidade, Ellen explora constantemente a correlação entre o ambiente construído, o mundo natural e o ser individual. Ela quer compreender melhor as ligações que os seres humanos têm com o seu ambiente, de modo a melhorar os espaços de design que

servir a(s) pessoa(s) e o ambiente natural.

Sonya Ursell é uma arquiteta sediada em New Haven. A escala dos seus interesses vai desde a arquitetura ao objeto quotidiano, especificamente na forma como as propriedades materiais contribuem para uma

experiência espacial significativa e pessoal. Está também a trabalhar num projeto que explora a narração de histórias através de imagens arquitectónicas, combinando a dupla paixão pela arquitetura e pela escrita.

Katie Jurkiewicz

Localização: 137 Orange St

Suporte: acrílico sobre tela não esticada

Ligação: www.katiejurkiewicz.com

Declaração

Esta pintura em grande escala tenta envolver completamente o espetador com formas naturais maiores do que a vida em tons vivos e arrojados. A peça examina as formas, os padrões e as interações entre uma variedade de plantas, flores, ervas daninhas, gramíneas e árvores. As plantas crescem, misturam-se e emaranham-se à escala humana.

Biografia

Katie Jurkiewicz é uma pintora de New Britain, CT. Faço trabalhos à escala humana que envolvem o espetador no mundo natural. Tenho um MFA do Massachusetts College of Art and Design e um BA em Studio Art do Trinity College. Trabalho no campo da arte e do design profissionalmente no Artspace sem fins lucrativos em New Haven, CT e como designer independente.

Pas de Deux de "Step of Two" | Francisco Del Carpio-Beltran Localização: 63-65 Audubon St
Meio: ilustração cortada em vinil
Seguir: @lonewolf08

Declaração

Pas de Deux conta uma história através de cinco vidros de janela. Duas pessoas aproximam-se uma da outra a partir de sítios opostos. Quanto mais se aproximam do meio, mais os seus talentos partilhados se unem numa só dança. As linhas fluidas mostram o movimento das figuras enquanto dançam. Estas ilustrações foram baseadas em fotografias de bailarinos que actuam no vizinho New Haven Ballet.

Biografia

Francisco Del Carpio-Beltran é um artista, designer gráfico e ilustrador que viveu e frequentou a escola em New Haven durante duas décadas. Trabalhou para a Svigals + Partners em Ninth Square a partir de 2007, primeiro como estagiário e depois como colaborador a tempo inteiro da equipa de Integração de Arte e Marketing da S+P. Francisco pintou recentemente The Bloom of Ninth Square - um mural de 700 pés quadrados encomendado através do programa Straight Up Art. Contribuiu para instalações artísticas de grande escala e murais noutros projectos locais, incluindo ConnCAT, Lincoln-Bassett School e a sede da Biohaven Pharmaceuticals em Church Street.

Longing To Remember | Jason Ting
Local: 212 Crown St
Meio: vídeo retroprojeção (6:12, vídeo)
Seguir: @jzlabs https://www.instagram.com/jzlabs/

Declaração do artista

Longing To Remember foi criado depois de ouvir a notícia de que um grande júri do Kentucky não acusou ninguém pela morte de Breonna Taylor durante o assalto falhado ao seu apartamento.

A obra retrata um lugar etéreo algures entre o céu e a terra. Uma cortina de luz cintilante evoca a saudade e a memória; esta luz é mantida em tensão com sombras de dor e perda. É neste espaço liminar que o espetador é convidado a recordar e a lamentar.

Biografia do artista

Jason Ting é um artista de novos media baseado em New Haven, Connecticut. Utiliza uma variedade de ferramentas de codificação criativa para criar imagens animadas abstractas que exploram a interação entre forma, cor e movimento. O seu trabalho é inspirado por forças encontradas na natureza, padrões geométricos e luz. Formou-se no programa Interdisciplinary Computing and the Arts da UC San Diego.

Rede de cartuchos | Margaret Roleke
Localização: 96 Church St
Meio: cartuchos de armas usados, arame
Ligação: https://www.margaretroleke.com/

Declaração do artista

"Network of Shells" explora o tema da violência armada. À distância, o espetador não tem a certeza do que são exatamente as peças coloridas na obra de arte. Só depois de uma análise mais atenta é que se percebe o que são de facto: cartuchos de armas usados. As armas são a segunda principal causa de morte entre crianças e adolescentes. A necessidade de não violência e de segurança com armas é urgente. As crianças e os adolescentes negros têm 15 vezes mais probabilidades de morrer por homicídio com arma de fogo do que as crianças e os adolescentes brancos (Centers for Disease Control and Prevention. WISQARS Fatal Injury Reports, Leading Causes of Death, United States - 2016). Uma percentagem de todas as vendas de arte de Margaret Roleke é doada a organizações que trabalham para prevenir a violência com armas.

Biografia do artista

Margaret Roleke é uma escultora que também cria gravuras e "mail art". Viveu e trabalhou

em Nova Iorque e Connecticut durante a maior parte da sua vida. O seu trabalho tem sido exposto frequentemente numa variedade de

de locais incluindo Art Space New Haven, ODETTA Gallery, NYC, Pulse Art Fair, NYC e

Feira de Arte Spring Break, Nova Iorque. Roleke foi objeto de críticas no The New York Times, Hyperallergic, Artnet News, The Guardian e outras publicações.

Chromatic Synesthesia | Marta Machabeli
Localização: 85 Orange St
Suporte: acrílico sobre tela
Ligação: www.martamachabeli.com

Declaração do artista:

"Quando olhas longamente para um abismo, o abismo também olha para ti" - Friedrich Nietzsche, Para Além do Bem e do Mal. Esta citação resume o conceito filosófico por detrás da minha inspiração para a minha peça "Sinestesia Cromática".

O trabalho composto para este projeto carrega o peso de um profundo processo de autorreflexão pelo qual todos nós passamos em algum momento das nossas vidas. O meu trabalho artístico é predominantemente inspirado em conceitos filosóficos, místicos e espirituais. Dediquei a minha vida a exprimir palavras, pensamentos e sentimentos através da utilização de cores vivas e vibrantes por meio do género abstrato. Considero que a arte abstrata é o melhor meio para explorar o desconhecido subconsciente/inconsciente e extraí-lo do nosso interior como uma forma de libertação, ao mesmo tempo que atrai secretamente o mundo exterior (um observador).

Biografia do artista:

Marta Machabeli é uma artista nascida em Tbilisi, sediada em New Haven, que estudou pintura na República da Geórgia, na "Academia Nacional de Belas Artes da Geórgia". Chegou aos EUA em 2001, e foi aqui que o seu estilo tomou a sua verdadeira forma.

A diversificada gama de pinturas e fotografias de Marta Machabeli - embora com afinidades com artistas como Odlion Redon, entre muitos outros - é, antes de mais, inspirada pela sua visão única, que, segundo a minha experiência ao acompanhá-la ao longo dos últimos dez anos, se manifesta em todos os aspectos da sua obra, desde as linhas que conduzem o olhar do espetador através de um labirinto de cores e espaços; até aos olhos que aparecem, repetidamente, nos seus retratos, olhando em frente, sem pedir ao espetador que lhes devolva o olhar, mas convidando-o a entrar no modo de vigília direta e penetrante que eles reflectem. Amante de Rumi e do Mefistófeles de Goethe, pinta de forma a mover-se mercurialmente entre os aspectos duplos do misticismo, da iluminação e da interrogação diabólica - e mais além. -Kristina Mendicino

Black Kid Joy | Isaac Bloodworth

Meio de comunicação: Design gráfico, decalque em vinil

Ligação: @way_ward_17

Declaração do artista:

Nesta altura, quis criar uma peça alegre que representasse os meus sentimentos sobre ser negro. Um miúdo negro a surfar ondas de sumo numa prancha de chupa-chupa capta este espírito de liberdade e prazer. Simboliza não só a libertação, mas também a compreensão de que todas as nossas acções são pioneiras para o futuro da juventude.

Biografia do artista:

Isaac Bloodworth é um marionetista, manipulador de arte e designer gráfico. Licenciou-se na Universidade de Connecticut com um Bacharelato em Belas Artes em artes de marionetas.

Para Sempre Quilts | Marsha Borden

Meio: Sacos de supermercado de utilização única e sacos de película do jornal New York Times

Ligação: www.marshaborden.com

Declaração do artista:
A confeção de edredões é uma forma de arte que existe em todas as culturas desde a civilização antiga. Uma colcha ajuda o seu criador a definir e expressar tradições e histórias. As colchas, pela sua própria natureza, fornecem informações históricas importantes e permitem-nos ver - de forma visível e tangível - como as pessoas interagem com o seu ambiente e com o mundo que as rodeia. Os quilts criam um legado, fornecendo às gerações futuras mensagens e informações para recordação, contemplação e significado.

Esta instalação utiliza mais de 1800 sacos de supermercado de utilização única e sacos do jornal New York Times, uma pequena parte dos cerca de 1.000.000.000.000 (um trilião) de sacos de plástico utilizados e deitados fora anualmente em todo o mundo. Os sacos foram individualmente cortados à mão, decalcados e cosidos à mão utilizando técnicas tradicionais de acolchoamento. Cada colcha está rodeada por cascatas esculturais de chuva; em conjunto, as colchas e a chuva recordam-nos o impacto ambiental do excesso de plástico.

Ao refletir sobre o plástico, compreendo que ele é uma parte viva do nosso mundo natural. O plástico está nos nossos corpos. Comemos, bebemos e respiramos muito do plástico que coletivamente deitamos fora. O plástico está na natureza - entope os nossos oceanos e estraga as nossas montanhas e prados. O plástico está literalmente a chover sobre nós. E, no entanto, para o bem e para o mal, estamos interligados, interdependentes, emaranhados, enredados, enlaçados, enredados e enredados pelo plástico. Dependemos do plástico e o plástico depende de nós, para viver.

Como sugere o ativista ambiental Dr. David Suzuki, somos apenas uma breve geração na longa marcha do tempo. O nosso legado é o plástico, e o plástico é para sempre.

Biografia da artista:
Marsha Borden é uma artista do condado de New Haven, Connecticut, que trabalha principalmente com meios têxteis. Através da costura, dá um toque contemporâneo e relevante a técnicas têxteis antiquadas. Grande parte do trabalho atual de Borden centra-se em transformar objectos comuns, como o saco de plástico de utilização única, em comentário social. O seu trabalho tem participado em numerosas exposições nacionais e locais; uma exposição individual recente do seu trabalho com plástico teve lugar na Ives Gallery, New Haven Free Public Library, Connecticut. O novo trabalho em plástico de Borden está atualmente exposto na Perspectives Gallery em Hamden, CT. As críticas ao seu trabalho referem que "Borden examina, com igual dose de diversão e ponderação, a estranha dinâmica na forma como adquirimos e eliminamos casualmente sacos de plástico de utilização única no nosso dia a dia" e "(ela) transforma o que de outra forma poderíamos deitar fora numa meditação intencional sobre o desperdício".

Sem título | Caryn Azoff

Suporte: lápis de cor, guache, tinta acrílica sobre papel

Ligação: www.carynazoff.com

Declaração do artista:
As pinturas/obras em papel começam com uma estrutura de grelha desenhada à mão. A partir daqui, as formas e as cores informam intuitivamente o trabalho. Os suportes incluem lápis de cor, aguarela, guache e tinta flash/acrílica. As formas geométricas simples abrangem cada página, trabalhando numa estrutura de 8 x 8" - cada peça para formar uma apresentação em grelha na parede. A inspiração da cor e da forma vem do texto iluminado e da influência da Bauhaus.

Biografia do artista:
Caryn Azoff vive em New Haven, CT, e trabalha no seu estúdio em West River Arts 909 Whalley Avenue.

Menina que cuida | Josephine Ankrah

Suporte: ilustração, vinil

Ligação: https://josephineankrah.github.io/

Declaração do artista:

A minha relação com a arte começou na escola primária. Se me perguntassem aos 7 anos qual era a minha aula favorita, teria respondido "arte" e se me perguntassem quem era a minha professora favorita, teria respondido "Sra. Hauer", a minha professora de arte. Uma vez, no 4.º ano, tive uma má nota num teste de matemática e fui repreendida e disseram-me que tinha de parar de desenhar e concentrar-me mais na matemática. Lembro-me perfeitamente desse dia porque, a partir daí, perdi a paixão que tinha por fazer arte. Fico feliz por dizer que muitos anos se passaram e, na minha idade adulta, decidi começar a criar novamente. Este processo de recuperação começou com simples desenhos de linhas com marcador preto em cartões de índice (alguns dos quais estão agora expostos em alguns abrigos de autocarros da cidade)! Estes desenhos a traço retratam-me muitas vezes a fazer coisas que adoro, como dar passeios de inverno ou fazer hoola-hooping, bem como coisas que são necessárias, como aceitar o meu corpo ou levantar a voz. Ao partilhar o meu trabalho, espero que outras jovens mulheres e raparigas se sintam inspiradas a serem livres e a partilharem as suas vozes com o mundo.

Biografia do artista:

Nasci no Gana, cresci em West Haven e vivo em New Haven desde 2018. Recebi um BA em Desenvolvimento Humano e Estudos Familiares na Universidade de Connecticut em 2016 e um Mestrado em Saúde Pública (MPH) da Southern Connecticut State University em 2018. Depois de obter meu MPH, mudei-me para New Haven e trabalhei como coordenador de pesquisa no DataHaven por cerca de um ano e meio. Estou muito grata pelo meu tempo lá porque, através do meu trabalho, pude aprender e me apaixonar por New Haven e seus residentes enquanto participava de pesquisas baseadas na comunidade e escrevia sobre gênero e igualdade na saúde. Queria ter um impacto mais prático na qualidade de vida da minha comunidade e, por isso, estou atualmente a estudar para me tornar médica assistente (PA). Estou no meu primeiro ano de PA School na Universidade de Bridgeport e tenciono trabalhar em New Haven depois de me formar. Nos meus tempos livres, para além de desenhar, adoro cuidar das minhas plantas bebés no meu apartamento, dançar salsa e estar com os meus amigos e família que me apoiam muito.

Chorus | Althea Rao
Meio: feltro, papel, cana, luz
Ligação: https://altheamrao.myportfolio.com/

Declaração do artista:
Estima-se que 45% dos indivíduos adultos norte-americanos com vaginas vivem com sintomas de incontinência urinária devido a eventos de saúde únicos associados ao sistema reprodutor feminino.

The Windowed World, Chorus, faz parte de um projeto artístico comunitário mais vasto de Althea Rao que defende e dignifica os adultos que têm de lidar com a incontinência urinária na sua vida quotidiana.

Os elementos de instalação de Chorus foram criados pela primeira vez durante o CWOS de 2019 como uma representação visual deste projeto comunitário de um ano. Utilizando pétalas de feltro em forma de vulva e esculturas de luz, esta instalação pública altamente visível irá expor "casualmente" uma série de assuntos muito estigmatizados e muitas vezes privados de forma educada, franca e divertida, desafiando as normas pouco saudáveis tradicionalmente associadas ao nosso corpo e ao seu processo natural de deterioração, e estabelecendo novas bases para a normalidade.

Na primavera de 2021, 12 membros da comunidade cujas vidas foram afectadas pela incontinência serão reunidos no Artspace New Haven. Lideradas pela Artista em Residência Althea Rao, formarão um Coro Vagina radical para vocalizar histórias anteriormente não ouvidas.

Através da utilização guiada de um aparelho de Kegel inteligente aprovado pela FDA, o Perifit, os intérpretes exercitarão os músculos do pavimento pélvico e ensaiarão para um teatro musical ao vivo gerado pela vagina. A harmonia musical, esclarecedora e sensacional, transformará um contexto de reconciliação, levando tanto as intérpretes como os espectadores a considerar por que razão e como existem as barreiras ao tratamento, e a refletir sobre estratégias para as ultrapassar no futuro.

O Vagina Chorus é beneficiário do subsídio "Awesome Without Borders" (The Awesome Foundation x The Harnisch Foundation) e do patrocínio da Arts Workforce Initiative (New Haven Art Council). Perifit, uma solução divertida e eficaz de treino do pavimento pélvico desenvolvida com terapeutas do pavimento pélvico, doou gratuitamente os seus aparelhos ao Vagina Chorus.

Biografia do artista:
A artista interdisciplinar Mengxi "Althea" Rao cria modelos de envolvimento social para facilitar conversas abertas e divertidas sobre temas tradicionalmente associados à vergonha e à negatividade, tais como privilégios herdados, doenças mentais, género e sexualidade. As suas obras dão poder aos indivíduos e ajudam-nos a encontrar a reconciliação com as suas culturas e consigo próprios. "Os seres humanos existem no domínio físico, mas a minha arte não." Os meios que Rao tem explorado incluem, mas não se limitam a: filme e vídeo, mapeamento de projecções, computação física, improvisação de contacto, escultura de luz, ativação de espaços públicos, rituais e canto coral.

Rao viveu e trabalhou na China, no Japão e nos EUA, e recebeu formação em jornalismo e cinema. Recentemente, foi uma das oito Social Impact Fellow no Halcyon Arts Lab em Washington DC e o seu trabalho sobre a igualdade de género foi apresentado durante o By the People Festival em 2019. Durante o seu tempo na capital do país, criou multi-iterações de activações de espaço público no Goethe Institut, Corcoran Gallery, Smithsonian Freer|Sackler Gallery, The French Embassy e Hirshhorn Museum.

Rao é atualmente um artista residente no Artspace New Haven.

Ligação com estranhos | Mackenzie Pikaart

Suporte: Pin Back Buttons, Corrente, Imagens encontradas, Desenhos, Revistas LIFE, Revistas National Geographic.

Instagram: mvpstudio.me

Declaração do artista:

Connections with Strangers é uma peça composta por (originalmente) 15.000 botões de pin back (atualmente tenho cerca de 10.000). Todas as imagens foram retiradas das revistas LIFE dos anos 50-70 e da National Geographic dos anos 70 ao início dos anos 2000, juntamente com outras revistas de moda, de Filadélfia e de arte que foram recolhidas na zona de Filadélfia. A imagem de cada botão deve atuar como um gatilho, para levar o espetador de volta a uma memória da sua vida, um livro que leu, um sonho que teve, um filme ou uma experiência musical. Quando dois estranhos se encontram na parede, os botões podem atuar como uma espécie de quebra-gelo. Podem ajudar as pessoas a estabelecer ligações através de experiências partilhadas e iniciar uma conversa, talvez sobre algo em que não pensem há algum tempo. As memórias são extremamente importantes para mim, principalmente porque não me lembro da maior parte da minha infância ou juventude. Felizmente, tenho pais fantásticos e uma comunidade que me apoia, mas tive uma infância interna difícil, era muito zangada e frustrada. As únicas recordações reais que tenho são de quando fazia coisas que eram más ou fazia uma birra. Não tenho memórias de todas as coisas divertidas que vivi em criança, ou de como os outros interagiam comigo em criança. Connections with Strangers (Ligações com Estranhos) é um jogo divertido, interativo, que permite iniciar uma conversa e criar uma comunidade. Dá espaço para recordar, perdoar e alegrar-se com a vida.

Biografia do artista:

Mackenzie V Pikaart é uma artista que vive e trabalha em Filadélfia, onde obteve o seu BFA em Artesanato, com concentração em Cerâmica. É Técnica de Estúdio e Gestora de Instalações num estúdio de cerâmica local, e uma artista de instalações talentosa. O trabalho de cerâmica de Pikaart centra-se no facto de que todos merecem comer/beber num recipiente feito à mão. O seu trabalho é frequentemente apresentado em jantares comunitários, clubes de jantar e em sua casa. Tanto as suas cerâmicas como as suas instalações foram expostas em muitas galerias e lojas de Filadélfia, juntamente com o Aeroporto Internacional de Filadélfia. Pikaart também mostrou muitas das suas instalações na Trinity Episcopal Church no New Haven Green, e instalou-as na baixa de New Haven CT. Pikaart regressa sempre a New Haven, não só pela MELHOR PIZZA DO MUNDO!!!, mas também porque foi aqui que viveu a sua infância. Pikaart cresceu nos arredores de New Haven e passou a maior parte da sua vida jovem como membro ativo da Trinity Church. Ela e a sua família passavam um longo domingo em New Haven, com a igreja de manhã, um brunch com os seus amigos e famílias da congregação, e de volta à igreja para uma reunião e um grupo de jovens à noite. A Trinity era e continua a ser um lugar seguro para Pikaart ser ela própria de todo o coração.

Flux | Paier College of Art

Suporte: papel, ilustração

Ligação: https://www.paier.edu/

Artistas estudantes:

Kassady Couillard

Alexis Tonelli

Astrid Rodriguez

Kimberly Hyatt

Alecia Massaro

Darlene Vasquez

Marcus Fort

Andrew Verderome

Jennifer Sandholm

Sherry McNeill

Cassandra Ibitz

Gianni Higham

Instrutores:

Vladimir Shpitalnik é um cenógrafo e figurinista, pintor e ilustrador cujo trabalho foi apresentado nos Estados Unidos, na Europa e na Ásia. Os seus créditos teatrais fora da Broadway incluem cenografias para o American Place Theatre e o SoHo Rep. Os seus créditos regionais em dança e teatro incluem cenografias e/ou figurinos para o Joffrey Ballet, Eugene O'Neill Theatre Center, Stage One Theatre, New Harmony Theatre, Seacoast Rep, Voice and Vision Theatre, Yale Cabaret e Elm Shakespeare Company. Os seus créditos internacionais incluem o Moscow Art Theatre Studio, o Kazan Theater for Youth, o Yermolova Theater e o Gorky Cinema Studio. Os créditos de ilustração de livros incluem livros infantis para a Random House/Knopf e Soundprints. Membro fundador da Alliance TCC, uma consultora de construção de teatros, Shpitalnik colaborou no desenvolvimento de numerosos locais de arte e espetáculo, incluindo o Oakdale Theatre, o Meadows Music Theater e o Madison Art Cinemas em Connecticut e, mais recentemente, o SubCulture em Nova Iorque. Shpitalnik é membro do corpo docente do Paier College of Art e da Southern Connecticut State University e é membro da United Scenic Artists e da Society of Illustrators. Tem diplomas de mestrado da Yale School of Drama e da Moscow Art Theatre School. Shpitalnik recebeu a bolsa de estudos de designer do National Endowment for the Arts/Theatre Communications Group.

Molly Gambardella é uma artista americana em ascensão que trabalha em meios 2D e 3D. Formou-se no Paier College of Art com um BFA em ilustração em 2017. Molly continua a receber comissões e a mostrar o seu trabalho internacionalmente. O trabalho de Molly foi apresentado na 3x3 Magazine, Creative Quarterly Journal, Girl Talk Art Magazine, Business Insider Art, entre outros. Molly trabalha atualmente no seu estúdio na West River Arts em New Haven, Connecticut.

No Centro | Molly Gambardella

Meio: múltiplo

Sítio Web: https://www.mollygambardella.com/

Declaração do artista:

As três igrejas apresentadas (da esquerda para a direita) são réplicas da Trinity, Center e United Church no New Haven Green, inteiramente construídas em cartão. Por baixo das igrejas está parte do desenho (vista aérea) do New Haven Green. À volta das estruturas de cartão estão líquenes, um organismo formado pela relação simbiótica entre algas e fungos. O fungo fornece abrigo para as algas e as algas fornecem alimento para os fungos. Os líquenes não têm raízes; em vez disso, recebem todos os seus nutrientes da atmosfera. Uma vez que os líquenes absorvem nutrientes do que está à sua volta, não podem existir em ambientes tóxicos. Se olharmos para a zona verde de New Haven, podemos encontrar líquenes nas rochas, nas árvores e no chão - New Haven é um sítio maravilhoso para se estar!

Biografia dos artistas:

Molly Gambardella é uma artista americana em ascensão que trabalha em meios 2D e 3D. Formou-se no Paier College of Art com um BFA em ilustração em 2017. Molly continua a receber comissões e a mostrar o seu trabalho internacionalmente. O trabalho de Molly foi apresentado na 3x3 Magazine, Creative Quarterly Journal, Girl Talk Art Magazine, Business Insider Art, entre outros. Molly trabalha atualmente no seu estúdio na West River Arts em New Haven, Connecticut.

Arte postal | Molly Gambardella

Meio: múltiplo

Sítio Web: https://www.mollygambardella.com/

Declaração do artista:

Foi lançado um convite à arte postal em todo o mundo através das redes sociais e o resultado foi um sucesso esmagador. Mais de 200 peças enviadas vieram para New Haven de mais de oito países participantes. Cada peça enviada foi fotografada, editada, publicada, inventariada e, se houvesse alguma pista no envelope, o artista era contactado para obter as informações que quisesse publicar com o seu trabalho. Isto criou rapidamente uma comunidade de artistas em todo o mundo - partilhando ideias, pensamentos, processos e histórias individuais. Dos mais de 200 trabalhos enviados, apenas 81 são apresentados nesta janela. Se pretender ver fotografias da exposição anterior ou se estiver interessado numa publicação que inclua todas as participações, vá a https://www.mollygambardella.com/mailart. Obrigado aos muitos indivíduos que tornaram isto possível, especialmente a todos os que enviaram uma peça - tornaram esta exposição algo notável.

Biografia do artista:

Molly Gambardella é uma artista americana em ascensão que trabalha em meios 2D e 3D. Formou-se no Paier College of Art com um BFA em ilustração em 2017. Molly continua a receber comissões e a mostrar o seu trabalho internacionalmente. O trabalho de Molly foi apresentado na 3x3 Magazine, Creative Quarterly Journal, Girl Talk Art Magazine, Business Insider Art, entre outros. Molly trabalha atualmente no seu estúdio na West River Arts em New Haven, Connecticut.

Pluralidade de vozes | Maria Morabito

Meio: Feltro industrial

Ligação: www.morabitoart.com

Declaração do artista:

A abstração é a minha forma de ver e compreender o mundo. Nas minhas esculturas e pinturas, exploro memórias e associações mentais inspiradas por formas naturais e paisagens culturais. As minhas obras reflectem os meus interesses nas interconexões entre os seres humanos e o ambiente biológico, e nas criações e alterações humanas da paisagem. As minhas esculturas são motivadas pelo meu interesse nas potencialidades expressivas dos materiais, na interação de volumes e formas e na livre montagem de elementos para criar novas formas. Partindo de uma ideia, utilizo materiais tão variados como o feltro industrial, o metal, a madeira, o papel maché e o barro de polímero. A forma final é o resultado de um diálogo contínuo com a peça, dando-lhe a oportunidade de se desenvolver em algo com a sua própria individualidade. A série intitulada Nova Ideia surgiu do interesse em investigar o potencial das formas na criação de vários volumes e combinações de formas. As esculturas foram cortadas à mão para formar formas orgânicas que podem ser penduradas em várias conformações. Vejo a fluidez das suas formas como uma metáfora para as possibilidades implícitas na mudança: fluidez de género e identidade, diversidade e pluralidade, capacidade de reinventar a humanidade.

Biografia do artista:

Maria Morabito nasceu em Itália e cresceu em Roma, onde desenvolveu o seu amor pela abstração na pintura e na escultura, e pelas formas orgânicas, sistemas biológicos, natureza, arquitetura e história. Viveu em New Haven e fez parte da sua comunidade artística durante muitos anos, regressando anualmente aos City Wide Open Studios em Eretor Square. Atualmente, Maria vive e trabalha em Manhattan, Nova Iorque.

Trabalha com diferentes materiais e técnicas, predominantemente em escultura, pintura a óleo e meios mistos. Estudou na Universidade de Cincinnati, em Cincinnati, OH, na Escola do Museu de Belas Artes, em Boston, MA, e na Creative Art Workshop, em New Haven.

Maria foi galardoada com uma Menção Honrosa por Robert Storr, Diretor da Escola de Arte de Yale. Expôs em Nova Iorque e a nível nacional e está representada em várias colecções públicas nos EUA e em colecções privadas nos EUA e na Europa.

Ciclo de Luz | Audrey Knight

Meio: géis coloridos

Declaração do artista:

Estas peças lúdicas, semelhantes a caleidoscópios, são uma ode à minha perspetiva inocente da religião e da espiritualidade quando era criança e cresci com dois padres como pais, vivendo num apartamento por cima da igreja que eles dirigiam e fazendo parte de uma organização de misticismo cristão chamada "O Centro de Luz". Concebi a sua natureza física de modo a possuir um feitiço de carácter infantil, com os seus padrões florais coloridos e caprichosos de mandalas criadas a partir de formas elementares. As cinco rodas são feitas de placa de espuma, cola quente e géis coloridos. Estão penduradas numa linha de pesca e têm a capacidade de girar nos seus eixos centrais. Os cata-ventos convidam a natureza da luz a fazer a sua magia através da projeção na parede em branco por detrás deles, tanto da iluminação nocturna dos candeeiros como do fluxo natural de luz solar durante o dia. Estão pendurados como uma impressão de vitral, em saudação à minha maravilha de infância, imaculada pelo tempo ou pela mudança.

Biografia dos artistas:

Audrey Knight criou a sua peça "Light Cycle" na sua aula de escultura de instalação de luz no ECA (The Education Center for the Arts), onde se formou recentemente após quatro anos de frequência. Audrey tem dezoito anos e viveu em New Haven durante a maior parte da sua vida. Ao longo da sua carreira no ensino secundário no ECA, teve a oportunidade de aprender com artistas mentores que são especialistas na sua área. Trabalhou em sete meios diferentes: desenho, pintura, escultura, fotografia digital, fotografia em câmara escura, vídeo e gravura. Na graduação, recebeu o prémio "Appetite for Production", que reflecte os seus projectos ambiciosos e o seu gosto por criar em grande. Inspira-se na natureza, na sua identidade pessoal e na elevação do mundano.

Hustle | Faustin Adeniran

Meio: Detritos americanos

Ligação: www.adeniranartstudio.com

Declaração do artista:

Hustle é uma peça escultórica em tamanho real feita com latas de alumínio. Esta peça é sobre um encontro que tive com uma senhora africana catadora de latas em Nova Iorque chamada Aminata. Ela tinha emigrado do Sudão com o seu filho. Sem documentação adequada, teve dificuldade em encontrar trabalho e começou a recolher latas nas ruas de Nova Iorque, tal como muitos imigrantes faziam quando chegavam a este país. Como muitos imigrantes, ela pensava que os Estados Unidos eram a terra das oportunidades. Quando reflicto sobre a minha própria luta e sacrifício para ter uma vida melhor aqui, o sonho americano nem sempre é tão glamoroso como parece. Hustle representa o trabalho árduo e a dedicação para ter sucesso, aconteça o que acontecer, e sensibiliza para a valorização de todos os membros da nossa comunidade, mesmo aqueles que são frequentemente marginalizados e ignorados.

Acredito que a minha instalação artística é um projeto importante e urgente para New Haven, que lançará mais luz e provocará um diálogo ponderado.

Biografia do artista:

Faustin Adeniran é um artista visual contemporâneo originário da Nigéria. Passou cinco anos em New Haven, Connecticut, a trabalhar no seu estúdio em Eretor Square e desenvolveu um corpo de trabalho artístico que aborda a identidade cultural, a migração, a justiça social e a preservação ambiental nas nossas comunidades. Faustin utiliza latas de alumínio e outros materiais encontrados para criar obras tridimensionais que desafiam a categorização. Parte mosaico, parte assemblage, apresentam campos de cores deslumbrantes criados a partir de uma série de latas cortadas em tiras e losangos. Os detritos americanos são o seu meio, e as marcas americanas são sinónimo de estatuto. Nas suas obras, há sugestões de logótipos familiares - Arizona Iced Tea, Coca-Cola e Lacroix seltzer - mas também bebidas de que nunca ouvimos falar, provenientes de coleccionadores locais de latas de New Haven.

Uma pequena fatia do céu | Amira Brown

Suporte: papel cortado pintado e tecelagem de papel

Ligação: amirahb.com

Declaração do artista:

O meu objetivo para a minha arte é ligar e partilhar a experiência das belas-artes de uma forma acessível. Utilizo zines, banda desenhada e práticas de arte contemporânea para expandir o que a banda desenhada pode ser interpretada e o que a arte pode ser vista. Procuro trazer mundos estranhos, excitantes e complexos com diferentes interpretações para os meus espectadores.

Biografia do artista:

Ao longo da vida de Amira, a leitura e a arte têm sido as pedras angulares da minha vida e tiveram um impacto positivo. Através destas disciplinas, conseguiu ligar-se e crescer como pessoa. Depois de se aperceber do seu impacto, Amira foi para o Paier College of Art e licenciou-se em Ilustração. Mas depois de andar para trás e para a frente entre a escrita, a arte e a banda desenhada durante 3 anos, combinaram-nas numa prática interdisciplinar. Já expuseram em CT e New Haven.

Tapeçaria de macarrão de piscina | Dan Bernier & Dan Gries

Materiais: Macarrão de piscina, fio

Biografias dos artistas:

Dan Bernier é um programador de software e artista generativo. O seu trabalho explora os limites da forma como utilizamos a linguagem de programação para descrever a complexidade dos dados e dos processos. Dan Gries é um educador de matemática e ciências informáticas e artista generativo. O seu trabalho centra-se em imagens geradas por algoritmos e na imperfeição codificada. A sua formação em matemática informa o seu trabalho e transparece nele. Bernier e Gries vivem em New Haven, CT, e colaboraram em instalações de arte pública na cidade, utilizando peças de macarrão de piscina para construir imagens concebidas através de técnicas computacionais.

Oracle | John T. Fallon III

Suporte: acrílico, tintas

Sítio Web: johnfallonart.com

Declaração do artista: Tenho pintado continuamente nos últimos 45 anos numa grande variedade de estilos e meios. O meu foco principal tem sido o trabalho abstrato de natureza construtiva, explorando a cor, as simetrias e a ilusão espacial. Atualmente, estou a utilizar padrões extensivos em trabalhos com vários painéis, uns planos, outros inclinados, explorando também paletas de tons monocromáticos e estruturas pictóricas mais aleatórias. Não tenho bem a certeza do que deve ser uma declaração de artista. Devemos descrever o que fazemos para que outros queiram ver. Devemos descrever de uma forma vaga o que pensamos ou sentimos sobre o nosso trabalho. Quando trabalho, o meio é a mensagem, a forma é apenas o contentor do processo. O trabalho individual, embora pareça precioso, torna-se menos importante do que o novo trabalho que é o foco atual.

ECA faz arte no Mercado Noturno

Suporte: bastão de óleo, vinil

Artistas: Yadavi Patil, Ruby Hernandez-Gonzalez, Milton Coburn, Fetty Brockenberry, Amber Ventura

Todas estas 5 obras foram criadas por alunos do Educational Center for the Arts durante o New Haven Night Market de maio de 2019.

Sistemas expirados VI | Johanna Bresnick

Meio: múltiplo

Sítio Web: http://artistwebsitepro.com/Artist/Johanna_Bresnick/index.cfm

Declaração do artista:

Em adolescente, trabalhei neste mesmo edifício da Church Street quando ainda era um centro comercial. Depois de o Buffalo Wild Wings ter saído, passava todos os dias pela fachada da loja a caminho do meu trabalho na Gateway e tirava fotografias do exterior cheio de cicatrizes deixado pelo antigo letreiro e logótipo do bar. A minha instalação preenche os buracos irregulares com pequenas esculturas em espuma e gesso de outros marcos arquitectónicos de New Haven que, posteriormente, foram esquecidos. No espaço negativo, podem ver-se réplicas do New Haven Coliseum, da English Station, do antigo complexo de habitação pública Masonic Gardens e do betão bujardado típico dos edifícios brutalistas, como os quartéis da polícia e dos bombeiros da cidade. É um exemplo do tipo de entropia económica que resulta quando os edifícios são desocupados e demolidos.

Biografia do artista:

Johanna Bresnick recebeu um M.F.A. em 2001 da Universidade de Illinois em Chicago e um B.A. do Macalester College. Atualmente, é Presidente do Departamento de Artes Visuais do Educational Center of the Arts. Antes de trabalhar no ECA, fundou e dirigiu o espaço alternativo Grand Projects, que apresentou uma série de exposições individuais experimentais. Em 2015, presidiu ao Comité de Artes Visuais do Artspace (em New Haven, CT) e coordenou o City Wide Open Studios de 2002 a 2005. O trabalho de Bresnick investiga a imposição da geometria à natureza; a engenharia de ambientes e condições através da arquitetura, economia, tempo, geopolítica, comportamento social, estrutura familiar ou código pessoal. Os materiais são muito variados. O seu trabalho foi exposto no Museum of Contemporary Art, Chicago, IL, Galerie für Landschaftkunst na Alemanha, Wadsworth Athaneum em Hartford, The Rose Museum, Brandeis College, Waltham, MA, Jewish Museum em Nova Iorque e no Museum of Modern Art.

Sem título | Brittany Solem

Suporte: materiais reciclados

Ligação: www.brittanysolem.com

Biografia do artista:

Brittany Solem é uma fotógrafa, estilista e cenógrafa sediada em New Haven, cujo trabalho foi publicado na Vogue, PHOSPHENES e noutras revistas de moda e design. Com palitos de dentes, filtros de café, copos de plástico, utensílios e outros produtos descartáveis utilizados no quotidiano, Brittany construiu uma sereia que emerge do recife de coral. A sua montra chama a atenção para o trágico impacto que os plásticos estão a ter nos nossos oceanos e oferece um aviso visual contra os hábitos de consumo descuidados da humanidade.

Paper Over III | Jacquelyn Gleisner & Ryan Paxton

Suporte: Papel, tinta

Ligação: www.jacquelyngleisner.com/

Declaração do artista:

A expressão idiomática "paper over" significa remendar ou encobrir algo, especialmente como forma de apresentar uma aparência de unidade. Esta terceira iteração da instalação é composta por pinturas e desenhos sobre papel reciclados. Neste contexto, as pinturas renascem como uma instalação. Os materiais são reutilizados, enquanto a cor e o espaço são simultaneamente achatados e realçados.

Durante a Renascença, a cor foi por vezes descrita como a irmã indisciplinada do desenho, que era historicamente visto como um esforço menos arbitrário e mais musculado do que a pintura. Este sentimento foi repetido pelo crítico e teórico de arte francês do século XIX, Charles LeBlanc, que classificou categoricamente a cor abaixo do desenho. Divisões paralelas foram também aplicadas à pintura e à escultura, bem como ao artesanato e às belas-artes. Esta instalação esbate as fronteiras entre a pintura e a escultura, o desenho e a cor, bem como as tradições das belas-artes e do artesanato, como forma de resistir a estas classificações hierárquicas.

Biografias dos artistas:

Jacquelyn Gleisner é uma artista, escritora e educadora. Possui um MFA da Cranbrook Academy of Art e um BFA com honras da Boston University. O seu trabalho foi exposto em todos os Estados Unidos, bem como internacionalmente em Itália, Finlândia e Botswana. Jacquelyn foi premiada com uma bolsa Fulbright para a Finlândia em 2010, e também participou num intercâmbio de artistas no Botswana através do Programa Arte nas Embaixadas em outubro de 2015.

Para além da sua prática de estúdio, Jacquelyn escreve sobre arte contemporânea. É colaboradora regular da revista online Art21 desde 2011 e lançou duas novas colunas para o site, "Praxis Makes Perfect" e "New Kids on the Block". Jacquelyn foi a editora convidada da edição Sincerity Issue, Volume 11, julho/agosto de 2015. Contribuiu também para a Hyperallergic, a revista Art New England, o blogue Two Coats of Paint, entre outros. Em outubro de 2018, Jacquelyn lançou a Connecticut Art Review, uma plataforma de escrita para as artes no estado e à volta dele. Atualmente, trabalha como Practitioner in Residence na Universidade de New Haven. (Veja o CV da artista aqui).

Ryan Paxton tem um BFA da Universidade de Oregon, Eugene. Como artista, Ryan expôs o seu trabalho na Cue Foundation, em Nova Iorque, na Fireproof Gallery, em Brooklyn, e na Washington Art Association, em Connecticut. Em 2017, Ryan fundou a LensCloud, uma empresa de digitalização 3D sediada em Brooklyn, Nova Iorque. É especialista em digital/novos media, carpintaria, metalurgia e cerâmica. Ryan trabalha atualmente como gestor de produção na Eli Whitney Workshop em Hamden, onde concebe e cria brinquedos e projectos educativos para crianças e lidera workshops para adultos sobre design e fabrico CNC.

Lanternas cortadas a laser | Jacquelyn Gleisner & Ryan Paxton

Suporte: Madeira, mylar

Ligação: www.jacquelyngleisner.com/

Declaração do artista:

Os candeeiros em exposição foram criados pelos participantes num programa Ives Squared que realizámos no início de maio. Os participantes desenharam padrões utilizando um modelo que o Ryan e eu criámos para os candeeiros. Depois, cortámos e montámos todos os candeeiros para os incluir nesta montra.

Biografias dos artistas:

Jacquelyn Gleisner é uma artista, escritora e educadora. Possui um MFA da Cranbrook Academy of Art e um BFA com honras da Boston University. O seu trabalho foi exposto em todos os Estados Unidos, bem como internacionalmente em Itália, Finlândia e Botswana. Jacquelyn foi premiada com uma bolsa Fulbright para a Finlândia em 2010, e também participou num intercâmbio de artistas no Botswana através do Programa Arte nas Embaixadas em outubro de 2015.

Para além da sua prática de estúdio, Jacquelyn escreve sobre arte contemporânea. É colaboradora regular da revista online Art21 desde 2011 e lançou duas novas colunas para o site, "Praxis Makes Perfect" e "New Kids on the Block". Jacquelyn foi a editora convidada da edição Sincerity Issue, Volume 11, julho/agosto de 2015. Contribuiu também para a Hyperallergic, a revista Art New England, o blogue Two Coats of Paint, entre outros. Em outubro de 2018, Jacquelyn lançou a Connecticut Art Review, uma plataforma de escrita para as artes no estado e à volta dele. Atualmente, trabalha como Practitioner in Residence na Universidade de New Haven. (Veja o CV da artista aqui).

Ryan Paxton tem um BFA da Universidade de Oregon, Eugene. Como artista, Ryan expôs o seu trabalho na Cue Foundation, em Nova Iorque, na Fireproof Gallery, em Brooklyn, e na Washington Art Association, em Connecticut. Em 2017, Ryan fundou a LensCloud, uma empresa de digitalização 3D sediada em Brooklyn, Nova Iorque. É especialista em digital/novos media, carpintaria, metalurgia e cerâmica. Ryan trabalha atualmente como gestor de produção na Eli Whitney Workshop em Hamden, onde concebe e cria brinquedos e projectos educativos para crianças e lidera workshops para adultos sobre design e fabrico CNC.

Gen 2 | Joshua Gonzalez

Meio: múltiplo

Sítio Web: @Joshart4e4

Declaração do artista:

Gen 2 é uma extensão escultórica das peças de design têxtil e de moda de Josh, a que ele chama Gen 1. Abreviatura de Generation, Gen 2 reúne uma variedade de tecidos e organiza-os numa única cena, da mesma forma que muitas camadas geram New Haven. Com bom ou mau aspeto, a nossa cidade é uma obra de arte para todos. A felicidade aparece em todas as formas e tamanhos.

Biografia do artista:

Joshua Gonzalez é um estudante do Education Center for the Arts, que adora criar e partilhar a sua paixão pelas artes. No futuro, ele espera trabalhar como designer de moda ou professor de arte para poder ajudar os sonhos dos outros a ganhar forma.

Suporte: fita, luz

Ligação: https://www.studioinewhaven.com/

Declaração do artista:
Numa época de alta tecnologia que nos liga mais rapidamente do que nunca, a capacidade de aprofundar as relações é o maior desafio. Ao investir no património líquido em vez de em momentos que constroem relações que valem a pena, estamos doentes de solidão. É uma epidemia. Este artigo reflecte a velha rima que nos recorda onde reside realmente a nossa riqueza. "Faz novos amigos, mas mantém os velhos. Um é prata e o outro é ouro".

Biografia da artista:
Descobrindo os seus primórdios artísticos através do movimento e da dança, Christina expandiu a sua voz na arte enquanto estava na Southern Connecticut State University, com uma licenciatura em Belas Artes e uma especialização em Psicologia. Ao descobrir a sua paixão pelo desenho e pela pintura, continua a dar vida à sua imaginação através de retratos, desenhos animados, ilustrações e experiências imersivas. Co-fundadora e curadora do Studio i, está atualmente a pesquisar ligações e paisagens da natureza explorando a floresta tropical El Yunque em Porto Rico, terrenos glaciares e vulcânicos da Islândia e mais de 300 milhas do trilho dos Apalaches para os seus trabalhos escritos e imersivos. Cultivando um espaço dinâmico através da sua arte e consultoria, continua também a ensinar danças de salão a indivíduos, casais e amigos que procuram celebrar um evento especial ou aprender uma dança favorita. Seja na tela, na pista de dança ou colaborando com empresários, Christina adora encontrar e partilhar a beleza da ligação.